di Salvatore Ficarra/Valentino Picone, con Salvatore Ficarra, Valentino Picone, Ambra Angiolini, Diane Fleri, Sascha Zacharias [commedia, 96’, Italia, 2011]

 Amici fin dall’infanzia, Salvo e Valentino gestiscono una piccola impresa di servizi turistici a Torino, accompagnando ogni giorno su un vecchio e colorato bus inglese gruppi di stranieri in giro per la città. Dei due, Valentino è l’uomo fedele e innamorato fino allo sfinimento della compagna Gisella; Salvo è invece lo scapolo scapestrato determinato ad assumere solo giovani guide turistiche carine e single. Quando Gisella, stremata dall’affetto sdolcinato e ossessivo di Valentino, chiede a Salvo di dirgli che vuole lasciarlo, si avvia una serie di romantici equivoci e di incroci sentimentali che coinvolgono anche Natascha, la nuova guida della società, Sonia, una cara amica d’infanzia, e Peter, il suo borioso fidanzato americano. A metà strada fra i toni farseschi di Franco e Ciccio e il registro brillante di Vianello e Tognazzi, Ficarra & Picone incarnano i poli oppositivi e complementari dell’uomo medio (l’ansiogeno e l’indifferente, il timido e lo spaccone, il prodigo e l’avaro). Dalla televisione al cinema, il duo palermitano non si accontenta di espandere la struttura dello sketch, ma cerca di applicare quello stesso tipo di lavoro sui difetti e le idiosincrasie dell’italiano medio ai luoghi comuni della commedia classica.

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1. “AMORE SACRO AMORE PROFANO” in una Lucca insolita…

di Lars von Trier, con Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, Alexander Skarsgård, John Hart,Udo Kier, Brady Corbet, Stellan Skarsgård [drammatico/catastrofico, 130’,  Danimarca/Svezia/Francia/Germania, 2011]

 Justine arriva con il neomarito alla festa delle nozze che il cognato e la sorella Claire le hanno organizzato con un ritmato protocollo. Justine sorride molto ma dentro di sé prova un disagio profondo che la spingerà ad allontanarsi in più occasioni dai festeggiamenti provocando lo sconcerto di molti, marito compreso. Non si tratta però solo di un malessere esistenziale privato. Una grave minaccia incombe sulla Terra: il pianeta Melancholia si sta avvicinando e, benché il mondo scientifico inviti all’ottimismo, il rischio di collisione e di distruzione totale del globo terrestre è più che mai realistico. Tempo dopo, con Melancholia sempre più vicino, sarà Claire a invitare a casa sua la sorella. Scrive Sigmund Freud, in Lutto e melanconia: «La melanconia  è psichicamente caratterizzata da un profondo e doloroso scoramento, da un venir meno dell’interesse per il mondo esterno, dalla perdita della capacità di amare, dall’inibizione di fronte a qualsiasi attività e da un avvilimento di sé che si esprime in autorimproveri e autoinganni e culmina nell’attesa delirante di una punizione». Dopo l’evento dinamico luttuoso che apriva Antichrist, Lars Von Trier affronta il polo opposto e complementare del testo freudiano per procedere nel medesimo discorso intimo, dire nuovamente, a cuore in mano e possibilità di lettura metaforica universale, della propria depressione, della propria, consapevole Melancholia. Due sorelle, due donne che il ‘misogino’ per definizione del cinema europeo prende questa volta, in particolare Justine, come rappresentanti di se stesso. Di Justine condivide la sensazione viscontiana di fine di un mondo che merita di dissolversi e, al contempo, il dissacrante e sofferente distacco da tutte le convenzioni. In Claire vede il bisogno (registico) di ‘mettere ordine’, di trovare un senso, di controllare anche l’ineluttabile. Le circonda di una folla vinterberghiana (Festen) ritrovando parte degli stilemi del Dogma, nella prima parte, per poi, progressivamente, lasciarle sole con il figlio bambino della seconda e con la Natura. Mettendo da parte le controversie più esplicite e più triviali del suo cinema, e battendo invece là dove la complessità vera del suo cinema è sempre stata, invisibile ai più, a quanti si fermavano alla provocazione che per lui è sempre stato ironico sberleffo intellettuale, Lars von Trier pare voler segnare l’ennesimo punto a capo di una carriera multiforme e coerentissima, con una maturità e una consapevolezza anche stilistiche che stupiscono. E colpiscono diritte al cuore. E allo stomaco. Melancholia sta arrivando. E’ la fine del mondo.

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di Pupi Avati con Cesare Cremonini, Micaela Ramazzotti, Gianni Cavina, Andrea Roncato [commedia, 85’, Italia, 2011]

Prima metà degli anni ‘30, in una cittadina dell’Italia centrale immersa nella campagna. La famiglia contadina dei Vigetti ha tre figli: il piccolo Edo, Sultana e Carlino, giovanotto molto ambìto dalle ragazze. Gli Osti invece sono proprietari terrieri che hanno fatto fortuna e vivono in una casa padronale con le loro tre figlie, tutte da maritare: le più attempate, Maria e Amabile, e la giovane e bellissima Francesca. Facendo buon viso a cattiva sorte, Sisto e Rosalia Osti accettano che il giovane contadino Vigetti corteggi le due sorelle maggiori con l’intento di sistemarne almeno una. Inizia un periodo di incontri con le due ragazze nel salotto di casa Osti, turbato però un giorno dall’arrivo improvviso di Francesca dalla città in cui è stata mandata a studiare. Tra i due è colpo di fulmine e tutti i piani vanno in fumo. Pupi Avati torna sul filo della memoria per raccontare la storia d’amore dei suoi nonni. Un ricordo personale che diventa, come sempre nel cinema del regista bolognese, lo spunto per affrontare tematiche universali. Si parla quindi di matrimoni d’interesse, di un colpo di fulmine, del rapporto tra padroni e mezzadri e della natura umana, schiava delle proprie pulsioni in un mondo arcaico dominato dal ritmo della natura, da un maschilismo di facciata e da leggi tacite e immodificabili. Lo aveva già fatto con Gli amici del Bar Margherita Pupi Avati, assumendo uno sguardo maschile su un mondo altrettanto maschile (e maschilista). Questa volta il suo cinema esce dai bar e dai confini emiliani, diffusi di fumo e Campari, per spostarsi nella campagna italiana degli anni Trenta, quando le donne avevano un cuore grande e rassegnato all’adulterio, quando l’infedeltà era congenita al matrimonio, indotta dal virile modello sociale dell’ideologia fascista e giustificata con un imperativo bisogno fisiologico di sesso. Muovendosi su un piano di consolidata nostalgia marginale e attraverso la storia d’amore tra un giovanotto farfallone e una giovane donna timorata di un dio bigotto, il regista emiliano ci racconta lo zelo antifemminista della dittatura fascista, che relegava la donna al focolare domestico, esaltava la maternità a sostegno della forza dello Stato nazionale e inibiva l’affermazione degli interessi individuali. Per questo motivo il Carlino di Cremonini, in giro sui colli marchigiani in sella a una bici ‘special’, diventa l’ennesimo mediocre fra i tanti che Avati ha saputo raccontare.

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1. IL LIBRO CUORE

di Cary Fukunaga con Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Jamie Bell, Judi Dench [drammatico, 120’, GB/U.S.A., 2011]

Inizia in medias res questo nuovo adattamento del romanzo di Charlotte Brontë: Jane abbandona Thornfield Hall e, dapprima in preda al delirio della febbre, più tardi immersa nel riposo della convalescenza, rivive attraverso una serie di flashback le tappe salienti della propria “triste storia”, dalle angherie subite nell’infanzia all’arrivo a Thornfield, sino all’incontro con il signor Rochester. Americano, madre svedese e padre giapponese, Cary Fukunaga aveva all’attivo il grande successo indipendente di Sin Nombre, ovviamente inedito in Italia, quando ha deciso di cimentarsi nell’impresa di un nuovo adattamento cinematografico del celebre romanzo vittoriano di Charlotte Brontë. Imbattutosi nel copione scritto dalla sceneggiatrice di Tamara Drewe, Moira Buffini, Fukunaga ha fin dall’inizio dichiarato di voler lavorare con attenzione sui risvolti gotici della storia, dell’ambientazione e dei personaggi: e i risultati confermano queste intenzioni. Il suo Jane Eyre è lontanissimo dalla celebre versione di Robert Stevenson interpretata da Joan Fontaine e Orson Welles, così come dal più recente degli adattamenti, quello diretto da Zeffirelli con Charlotte Gainsbourg e William Hurt. Eppure rimane coerentissimo alla sua matrice letteraria, con un afflato di fedeltà che travalica le mere circostanze narrative. Ricalcando la ricchezza interiore e il rigore formale del personaggio che gli dà il titolo e di cui narra la parabola di vita, il film di Fukunaga si aggrappa alla ruvida e gelida materialità dei luoghi e di certe mentalità, ma lascia anche spirino folate di spiritualità, di mistero e di passioni. Di spiriti, la Jane Eyre interpretata da una Mia Wasikowska che recita con la sordina e colpisce al cuore con le frequenze basse della sua ottima performance, parla fin dall’inizio. Spiriti, rumori, misteri, presagi e voci nella brughiera che rispecchiano l’irrazionale incontenibile delle passioni del cuore e della mente, che sembrano provenire dai racconti che si facevano Byron, Shelley e Polidori chiusi dalla villa di Diodati. E allora non appare un caso o un vezzo che il Rochester di Fassbender sia un personaggio decisamente byronesco: scapigliato, inquieto e volatile, quasi più rockstar ante litteram che poeta maledetto. L’amore tra i due, di conseguenza, o come causa, è allora più viscerale e appassionato di quanto il cinema ci abbia abituato a vedere, più ossessionante nella sua irrinunciabile natura. Per questo, più centrale e dominante rispetto alle altre sfumature della storia.

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di Alessio Maria Federici. Con Luca Argentero, Hassani Shapi, Nabiha Akkari, Angela Finocchiaro, Vincenzo Salemme. [Commedia, 103’ - Italia 2011]

Le strade di Mattia e Kamal hanno preso direzioni diverse: l’uno è tornato all’edilizia ma senza ottenere grandi appalti, l’altro ha aperto la tanto agognata cioccolateria senza però vedere l’ombra di un cliente. Ma i due ex amici sono destinati ad incrociarsi di nuovo. In una commedia sentimentale i protagonisti sono sempre gli stessi, mentre i caratteristi attorno a loro cambiano al cambiare della società. I due Lezioni di cioccolato sono tra le poche opere apprezzate e dirette al grande pubblico a mettere in mostra, senza paternalismi, il tema dei nuovi italiani e della mescolanza etnica in questo paese. E questo sequel, nonostante l’assenza di Claudio Cupellini recupera in pieno l’atmosfera sofisticata e spensierata del primo film, grazie all’indiscutibile riconferma del miglior commediografo del cinema italiano contemporaneo, Fabio Bonifacci. Come nelle migliori squadre non solo la formazione vincente viene riconfermata nella quasi totalità (ottima la sostituzione di Nabiha Akkari al posto di Violante Placido) ma i rapporti di forza vengono rimescolati in base ai risultati del film precedente. Accade così che il caratterista che faceva da spalla al protagonista Luca Argentero, diventi qui a tutti gli effetti co-protagonista. In Lezioni di cioccolato 2 infatti l’egiziano Kamal, interpretato dallo straordinario Hassani Shapi, per peso, battute e importanza drammaturgica è a tutti gli effetti un protagonista e il film ne giova. La forza di questo magnifico attore kenyota, diventato in breve il primo caratterista straniero del nostro cinema e confermatosi tale infilando un successo dopo l’altro a seguito del suo esordio italiano proprio con il primo Lezioni di cioccolato, è la forza del film: una comicità che viene dall’interpretazione e non dalle gag.

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di Cristina Comencini con Claudia Pandolfi, Filippo Timi, Thomas Trabacchi, Denis Fasolo [drammatico, 114’, Italia, 2011]

Estate. Marina, sposata e con un bambino piccolo, arriva in montagna per trascorrere un mese di vacanza con lui. La casa in cui alloggia è fuori dal paese ed appartiene al solitario e cupo Manfred, guida alpina. Il piccolo piange e non dorme esasperando Marina. Finché una notte accade qualcosa nel suo appartamento. Manfred sfonda la porta, trova il bambino ferito e lo soccorre. Da quel momento ha inizio una sorta di indagine reciproca: Marina e Manfred hanno dentro delle ferite che cercano inutilmente di nascondere anche a se stessi. Cristina Comencini porta in scena un suo romanzo dalle tematiche interessanti. Si parla del terremoto emotivo che scuote una donna nel momento in cui diventa madre. Siamo abituati alle mamme da spot che allattano felicemente in elegante tailleur, fanno i lavori di casa sculettando, lavorano con profitto per otto o più ore al giorno e trascorrono notti di passione infuocata e appagante. La protagonista Marina appartiene, invece, al vasto gruppo di donne che la televisione indaga solo nelle derive cronachistiche: quello di chi vive con difficoltà, sensi di colpa e conflitti il proprio ruolo materno. Con grande sensibilità la Comencini sceglie quindi una protagonista irrisolta, che trova nella magrezza spigolosa e nell’espressività misurata di Claudia Pandolfi un’interprete perfetta, e la colloca in un ambiente inconsueto e ostile, il piccolo paese di Macugnaga, ai piedi del Monte Rosa. Come spesso accade, per lo più al cinema, a sbloccare il black-out emotivo in cui stagna Marina, arriva uno sconosciuto, nel caso specifico la guida alpina Manfred (Filippo Timi). L’incontro in punta di piedi sarà risolutivo per entrambi. Comencini costruisce un film capace di affrontare un tema inusuale con delicatezza, cercando di ammantare di cinema la voglia di rendersi comunicativo. Irritanti le risate e gli sfottò con cui il film è stato accolto al Festival di Venezia, alla proiezione per la stampa, da una platea con il fucile spianato.

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1. NIENTE PROGETTI PER IL FUTURO
2. SOGNO DI UNA NOTTE DI MEZZA ESTATE

di Tom Hanks, con Tom Hanks, Julia Roberts, Gugu Mbatha-Raw, Bryan Cranston [commedia, 98’, U.S.A., 2011]

 Prima di essere licenziato, l’affabile e cordiale Larry Crowne era un apprezzato responsabile per un’importante catena di negozi in franchising dove lavora dai tempi del suo congedo dalla marina. Sommerso dal mutuo e senza la più pallida idea su come impiegare l’improvviso tempo libero, Larry segue il consiglio dei suoi amici, e torna a scuola per un nuovo inizio. All’East Valley Community College si unisce a un variegato gruppo di studenti patiti per lo scooter, tutti alla ricerca di un futuro migliore. Con sua grande sorpresa, Larry si prende una sbandata per l’insegnate del corso su come parlare in pubblico, che ha perso tanto la passione per l’insegnamento quanto quella per il marito scroccone. È dal lontano 1996 (Music Graffiti) che Tom Hanks non dirigeva un film per il grande schermo. Torna a farlo ora scegliendo nuovamente se stesso come protagonista e facendosi affiancare nello scrivere la sceneggiatura da Nia Vardalos (a cui Hanks aveva prodotto Il mio grosso grasso matrimonio greco). Parte dalla crisi economica la seconda prova da regista di Tom Hanks per il grande schermo. Il cinema americano fronteggia licenziamenti e tracolli finanziari cercando spiragli di luce nei drammi personali che ne derivano (sono freschi nella memoria Tra le nuvole e The company man). Larry Crowne preferisce però in modo netto l’approccio della commedia a quello drammatico.E’ un film che cerca la propria forza nell’ottimismo, inseguendo con evidenza lo spirito di Frank Capra.

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1. “AMORE SACRO AMORE PROFANO” in una Lucca insolita…

di Gus Van Sant, con Mia Wasikowska, Henry Hopper, Ryo Kase, Schuyler Fisk [drammatico, 91’, U.S.A., 2011]

 Enoch ha la bizzarra abitudine di assistere alle cerimonie funebri di persone sconosciute; durante una di esse conosce Annabel, spigliata e brillante quanto il ragazzo è introverso e laconico. Entrambi hanno un segreto. Van Sant ignora e ci fa dimenticare tutto l’orribile cinema del ricatto emotivo (orribile almeno quanto il titolo attribuito in Italia al suo film), servendosi di un linguaggio nitido ma non aggressivo per tornare alle storie di formazione e d’amore, d’avventura affettiva e intellettuale che il cinema dei moderni ci aveva dispensato; come oggi riesce Van Sant modellando le sue figure adolescenziali compatte e vivaci, sfumate e credibili. Rientrato nella provincia senza storia né paesaggio di Portland dalla San Francisco di Milk, eroe civile e leader del movimento di lotta per i diritti degli omosessuali nell’America degli anni Settanta, Gus Van Sant ancora una volta elabora la sofferenza profonda di giovani sensibili, fragili e sempre consapevoli. Consapevoli in Restless della propria mortalità, che sono in grado di simboleggiare e di pensare, costruendoci sopra filosofie, significati, ottimismi e finanche euforie. Intorno a due attori sorprendenti come Henry Hopper e Mia Wasikowska il regista americano produce una storia sentimentale compromessa dalla morte ma che proprio nella morte trova esistenza, eternità e ragione d’essere. Attraverso la storia, e i personaggi, il regista sussurra nelle orecchie dei suoi protagonisti (e dei suoi spettatori) la parola amore con poetica e testarda determinazione. Ché è lì che risiede il senso, afferrabile,del vivere e del morire.

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2. NAPOLI: CHI RESTA E CHI PARTE

di Paolo Sorrentino, con Sean Penn, Frances Mc Dormand, Judd Hirsh, Eve Hewson, Harry Dean Stanton, David Byrne [drammatico/commedia, 118’, Italia, 2011]

 Cheyenne, ebreo, cinquantenne, ex rock star di musica goth, rossetto rosso e cerone bianco, conduce una vita più che benestante a Dublino. Trafitto da una noia che tende, talora, ad interpretare come leggera depressione. La sua è una vita da pensionato prima di aver raggiunto l’età della pensione. La morte del padre, con il quale aveva da tempo interrotto i rapporti, lo riporta a New York. Qui, attraverso la lettura di alcuni diari, mette a fuoco la vita del padre negli ultimi trent’anni. Anni dedicati a cercare ossessivamente un criminale nazista rifugiatosi negli Stati Uniti. Accompagnato da un’inesorabile lentezza e da nessuna dote da investigatore, Cheyenne decide, contro ogni logica, di proseguire le ricerche del padre e, dunque, di mettersi alla ricerca, attraverso gli Stati Uniti, di un novantenne tedesco probabilmente morto di vecchiaia. “And you’re standing here beside me/I love the passing of time/Never for money/Always for love /Cover up and say goodnight . . . say goodnight/Home – is where I want to be/But I guess I’m already there/I come home – she lifted up her wings/Guess that this must be the place”.(“E tu sei qui vicino a me/Amo lo scorrere del tempo/Mai per denaro/ Sempre per amore/Copriti ed augura la buonanotte/ Casa- è dove voglio essere/Ma mi sa che ci sono già/ Vengo a casa-lei ha sollevato le ali/Sento che questo dovrebbe essere il posto”.) Il testo della canzone dei Talking Heads che dà il titolo al film e riveste un ruolo in una delle scene più importanti e intense, rappresenta una sorta di sintesi di questa opera in cui Sorrentino torna al lucido intimismo degli esordi sotteso costantemente da una ricerca che si fa percorso di vita. Scrive per la prima volta assieme a un altro sceneggiatore, Paolo Sorrentino, e si sente. In This Must Be the Place c’è uno sguardo più speranzoso e conciliato rispetto alla sua precedente filmografia, i toni caustici sono ammorbiditi, l’amarezza presente ma prontamente addolcita. Rimagono invariate, invece, le cifre stilistiche – visive, fotografiche, musicali e sonore – che fanno del napoletano uno dei migliori esponenti del cinema di casa nostra e non solo. E This Must Be the Place rimane un film ricco di momenti alti, capace di colpire emotivamente: anche e forse soprattutto nei momenti in cui la levità elfica del suo protagonista si trasforma in contenuta ma disperata rabbia. Come quando Cheyenne urla il suo dolore in faccia ad un basito David Byrne.

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di Nicholas Winding Refn, con Ryan Gosling, Carey Mulligan, Christina Hendricks, Ron Perlman, Bryan Cranston, Oscar Isaac [Noir, 100’, U.S.A. 2010]

 Stunt a Hollywood e meccanico nell’officina del malandato Shannon, Driver si presta a fare l’autista per qualche rapina notturna. Ma alle sue condizioni: porta i compari sul posto e aspetta cinque minuti esatti. Se entro i cinque minuti sono di nuovo in macchina li conduce in salvo, altrimenti taglia la corda e li pianta in asso. Questa rigorosa routine è scombussolata dall’incontro con la vicina di appartamento Irene, madre del piccolo Benicio e sposata con Standard, momentaneamente detenuto ma in procinto di uscire e mettere nei guai proprio Driver. Fin dalla prima, spettacolare scena d’apertura, Winding Refn mette lo spettatore su delle spine che, anche quando cambia bruscamente registro, non lo abbandonano mai. Perché la tensione di Drive è spettacolare e nervosa, romantica ed emotiva: muta di natura, ma mai di intensità. Come l’espressione volutamente imperturbabile di un protagonista cool as ice, interpretato da un Ryan Gosling in grado di comunicare una gamma ampissima di emozioni utilizzando unicamente lo sguardo e – alcune volte – gli angoli della bocca. Drive è romanticismo puro, doloroso, ovattato, ultranoir. Lasciarsi dilaniare dalla sua tensione, ipnotizzare dallo sguardo generoso e selvaggio di Nicolas Winding Refn è pura esperienza cinematografica.

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